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SITTING ON A MOUNTAINTOP
IN THE HOGGAR
CLAPPING TWO FLAT STONES TOGETHER
A THOUSAND TIMES

Richard Long, 1988.

Erik Satie Gnossienne 1 by Alessio Nanni from Alessio Nanni on Vimeo.

Finito e infinito.
Par e impar.
Unidad y pluralidad.
Derecha e izquierda.
Macho y hembra.
Reposo y movimiento.
Rectilíneo y curvo.
Luz y tinieblas.
Bien y mal.
Cuadrado y cuadrilátero irregular.

Diez principios sobre el universo, según algunos pitagóricos. Véase Aristóteles, Metafísica.

¡Ay, el lenguaje!

Primero el hombre, luego las aves y tras éstas la mujer; los terrestres y por último los peces. Al menos eso decía Platón.
Yo ya no sé qué pensar.

Probablemente es porque tiendo a complejizar todas las ideas que me gustan los detalles más bien simples.

"(...)Tomar en serio sus adefesios significa caer en la trampa que nos tienden. Nos obligan a mostrarnos solemnes con tonterías, a pinchar globos de juguete con escalpelos."

Herbert Read sobre el Pop Art. En: Orígenes de la forma en el arte, Buenos Aires; Ed.Proyección, 1967, p.207

Si bien a finales del S.XIX y principios del S.XX ha existido un afán en el arte por distanciarse del mundo real, del referente (como bien se aproxima el cubismo), es ya con la “Primera acuarela abstracta” de Kandinsky con el que se produce un quiebre absoluto y radical, dando origen entonces a las abstracciones.

Kandinsky viene ya de su trabajo como expresionista en el movimiento “Der blaue reiter” influenciándolo y convenciéndolo totalmente de que la pintura es un arte que debe poseer un fuerte carácter expresivo. Es así como podemos afirmar entonces que Kandinsky busca una manera de explorar con las sensaciones en torno a teorías del color que realiza y en cuanto a su efecto físico y psicológico.

Por otra parte y oriundo de Holanda, aparece la figura de Piet Mondrian, artista que en su obra temprana y en pos de una búsqueda sintética se ve muy ligado a métodos de producción cubista. Si bien estos dos artistas buscan un carácter místico en el origen del arte, ambos llegan a respuestas muy distintas.

Mondrian, por ejemplo, es un acérrimo defensor de la esencia de las cosas, dejándonos evidente este postulado mediante el progreso formal y colorístico que hace frente a un solo tema: el árbol. De esta manera y en el afán por buscar esta esencia, comienza a sintetizar el objeto y buscando en la pintura un carácter universal y absoluto, mediante al cual sólo es posible llegar desde el uso de la razón.

Piet Mondrian, Composición con rojo, amarillo, azul y negro, 1921

Es así como nos encontramos con su “Composición con rojo, amarillo, azul y negro”, siendo este tipo de obra el que producirá hasta su muerte. Así, cada una de sus pinturas, tal como esta, son un manifiesto tangible y visual de lo que postula como arte. Puede observarse entonces el uso de líneas rectas y ortogonales, opuestas a todo tipo de expresividad que puede sugerir la curva o la diagonal; el uso de colores básicos, en cuanto existen tantos colores que en la búsqueda de lo universal no hay nada más acertado que estos tres, además de ocupar blanco y negro que no son colores en sí. Entonces divide mediante una minuciosa composición geométrica mediante franjas negras, evitando todo tipo de vibración de los colores. En conclusión, Mondrian postula toda una nueva plástica del arte, derivando de ahí el nombre de neoplasticismo.

Wassily Kandisnky, Composición VII, 1913

Radicalmente opuesto a esta forma de abstracción nos encontramos con la “Composición VII” de Kandinsky, quien en su afán por desligarse de referente alguno hace alusión a la música y su lenguaje, ya que esta expresión de arte no posee el estigma de representar algo: la música es sólo música y se compone de notas que a su vez generan ritmos, melodías, etc.

De esta manera se intenta hacer una analogía constante y poniendo igual minuciosidad y cuidado en la composición de cada una de sus obras, tanto en términos de elección de forma y colores.

Es así y en la búsqueda expresiva, como en esta composición se visualiza de manera casi inmediata el uso de una pronunciada diagonal que otorga dinamismo y nos invita a recorrer la obra (no así en Mondrian que nos entrega un arte sumamente rígido y estático), siendo rodeado por colores muy contrastados que vibran fuertemente y pareciese que salen del cuadro.

Ahora bien, si Kandinsky habla de que el color debe estar contenido en una forma, Mondrian explora también el tercer elemento de una pintura: su soporte. Exploración que sin embargo reside simplemente en lograr quedarse en el cuadro sólo con estos tres elementos.

Pareciese ser, finalmente, que más allá del carácter expresivo o no que tenga el uno o el otro, hay una diferencia radical que menciona Mario de Michelli en “La regla del abstraccionismo” y es que hubo en momento en la historia de esta corriente en la que se le quiso denominar Concretismo, en cuanto una abstracción es una interpretación de realidad. Es aquí donde hay que hacer entonces el hincapié en esta diferencia, ya que si bien Mondrian busca una síntesis y por tanto una depuración formal, el trabajo de Kandinsky posee una ruptura absoluta con el referente, creando una realidad totalmente ajena, poseedora de leyes propias a la pintura como tal.

Es así como entonces podemos hacer esta “clasificación” a modo de comprender mejor la diferencia de que mientras que a Mondrian le calza bien el apelativo de abstracto, quizá a Kandinsky le va mejor lo de concreto.

A principios del S.XX y tras el desarrollo eminente de la búsqueda de un nuevo arte, surgen los movimientos vanguardistas que generan un quiebre radical en la forma de hacer y pensar arte. Es así como se hacen presentes distintas ideologías que se manifiestan en distintos puntos de Europa como Alemania, Francia e Italia.
De esta manera nos encontramos con una de las vanguardias más radicales, como lo es el Dadaísmo, adquiriendo a lo largo de su corta vida un carácter universal en cuanto se desarrolla en Zurich, Colonia, Berlín y Nueva York.
El dadaísmo se presenta mediante su primer manifiesto (redactado por T.Tzara) como una manera de producir anti-arte, haciéndose presente de manera constante la irreverencia, violencia y nihilismo asociados fuertemente a un carácter anti-racional, anti-positivista, anti-academicista y anti-guerra.
Por otra parte, en Francia comienza a develarse una nueva vanguardia muy cercana a los postulados psicoanalistas de Freud y la teoría marxista: el Surrealismo, siendo impulsado por André Bretón y publicando igualmente su propio manifiesto. De esta manera y al igual que el dadaísmo comienza a desarrollarse fuertemente mediante la literatura, ya que en un afán por desarrollar una sistematización de aquello que ellos denominan "el azar objetivo", el surrealismo propone y busca conciliar la fractura del mundo consciente e inconsciente mediante el método automatista. Es así como fundan un centro de investigación de estos procesos surgiendo métodos como el frottage, los cadáveres exquisitos y el método paranoico-crítico. Esto sin embargo se desarrolla en cuanto hay un intento de involucrar de manera más activa la pintura como forma de expresión surrealista.

Max Ernst, Les Moeurs des feuilles, 1926.

Es así como surgen obras como "Las costumbres de las hojas", de Ernst, donde hay un distanciamiento de la imagen del artista-creador para adoptar una postura de espectador frente a la develación de la obra, donde lo más importante es el proceso mismo más que el resultado final. De esta manera se observa en el cuadro la aparición de la textura de una hoja y ciertos retazos de madera que nos remiten a imágenes cotidianas y parte de nuestro mundo consciente.
Cabe destacar que si bien opuesto a esta idea y con la consigna de la negación la figura del artista, el dadaísmo igualmente pone un fuerte énfasis en el proceso, siendo uno de los mayores aportes del movimiento en Berlín, la creación del fotomontaje como método de creación característico.

Raoul Hausmann, "ABCD", h.1920

Es así como observamos "ABCD" de Hausmann, que como bien señala Mario de Michelli en "La negación dadaísta" representa una ruptura frente a la sintaxis del lenguaje y la semiótica, obteniendo entonces el carácter agresivo y confrontacional que tanto queda patente en el manifiesto. En esta obra Hausmann entonces toma distintos elementos como una fotografía propia y los distribuye en el soporte descontextualizándolos y dándoes un valor agregado.
Por otra parte está presenta la figura de Schwitters, que si bien no pertenece como miembro permanente al dadaísmo, su obra está fuertemente influenciado por éstos como puede observarse en su "Imagen Merz 29a. Imagen con ruedecilla",

Kurt Schwitters, Imagen merz 29a, imagen con ruedecilla, 1920

donde más allá de la producción y los métodos, sirve para ejemplificar el fuerte carácter crítico hacia el hombre moderno, crítica constante del movimiento; haciéndose evidente mediante cierta anti estética maquinaria (en tono de burla frente al futurismo italiano y otra vanguardias como bien señalan en su primer manifiesto) mediante uso de figuras que recuerdan engranajes y aparatos hechos por el hombre.
Ahora bien, así como el dadaísmo parte de la negación total ("Dadá no es nada"), como bien nos menciona María Oliva Rubio en "La mirada interior" el surrealismo parte de la afirmación del arte. Es así como se desarrola una teoría de que el cuadro es una ventana hacia el interior del hombre (opuesta a "La ventana al exterior" de origen albertiano), desarrollando entonces una corriente más ilusionista y mimética dentro del surrealismo que Dalí explota al máximo llegando a proponer como proceso de creación el método paranoico-crítico, como bien puede observarse en su "Aparición de un rostro y un frutero sobre la playa".
Es aquí donde se hace partícipe al espectador, en torno al grado de paranoia, a observar el cuadro y donde el artista se aprovecha de las similitudes de color, forma y luz de los objetos para así poner de manifiesto la idea de la imagen-doble como el perro que su collar es un puente o el rostro de la mujer que a la vez es frutero.

Dalí, Aparición de un rostro y un frutero sobre la playa, 1938

you knock me out. así nomás.